A la hora de elegir el título, Piel de Gallina, me basé en la deliberada literalidad a la que remite, a la emoción suscitada en las obras de Regina José Galindo, pero también a la propia piel, a lo matérico y a lo humano de su trabajo. Decidí entonces narrar un viaje de la palabra a través del cuerpo, a partir de un trayecto estructurado en cinco ámbitos que se canalizase en diferentes destinos a través de las salas despertando el musculus erector pili en el espectador.

La obra de Galindo nos hace 
adentrarnos en una realidad 
descarnada, a través de 
una serie de acciones extremas 
y cargadas de simbolismo, 
que la llevan a colocarse 
en situaciones límite en las que se pone en peligro físicamente, 
y que actúan como potentes 
agitadores del observador. 
Pero al mismo tiempo sus 
performances actúan como rituales 
personales, como una 
elegía, como pequeños homenajes 
hacia una colectividad 
víctima de una realidad 
social, de un abuso, de una 
injusticia. En sus propias palabras, 
utiliza el cuerpo para 
ser reflejo de otros cuerpos. 
Regina nos habla de entregar 
una voz a lo común a través 
del cuerpo.

El viaje que nos ocupa comienza 
en un primer espacio 
que responde al terreno del 
enunciado, a la palabra contextualizada 
en un concepto 
de discurso donde la palabra 
y la poesía se erigen en protagonistas 
absolutas de la obra, 
comenzando por la acción Lo 
voy a gritar al viento, de 1999, 
en la que la artista se cuelga 
de un puente de Ciudad de 
Guatemala para recitar sus 
poemas al aire. 
De aquí pasamos a un espacio 
dominado por la metáfora, 
donde se nos muestra la 
Regina más poética, a través 
de una serie de obras en las 
que el cuerpo de la artista se 
desdobla en una suerte de álter 
ego para ponerse en la piel 
del otro alterado, del sufriente, 
del otro sometido a la 
injusticia.

Una tercera sala nos introduce 
en la Regina más carnal, 
más descarnada, a partir de 
una serie de piezas donde la 
fisicidad de la tortura nos 
acerca al trauma de la muerte 
de uno mismo, asociado con 
la muerte de los otros.

Polifonía del dolor

Debemos entender que lejos 
de cualquier pretensión masoquista, 
su trabajo implica una 
pluralidad de voces, una polifonía 
del dolor, un monólogo 
sobre el dolor colectivo que no 
implica una búsqueda de alivio 
o liberación personal del 
trauma, sino abrir una puerta 
a la aprehensión o reconocimiento 
de experiencias, a un 
modo de aprender a vivir con 
ello a partir de sus metáforas 
corporales y poéticas.

El espacio central de la sala 
de exposición presenta una 
reconstrucción ficticia en 
torno a la Bienal de Venecia, 
en la cual el trabajo de la artista 
ha sido seleccionado en 
cuatro ocasiones, y donde obtuvo 
el prestigioso León de 
Oro en 2005. Una reproducción 
de éste, que la artista realizó 
como escultura con posterioridad 
en oro guatemalteco, 
articula la sala desde su posición 
central, a fin de sacar a la 
luz toda la serie de cuestionamientos 
que el hecho de participar 
en esta Bienal puede implicar. 
Éste es también un espacio 
para la comprensión del 
trauma y la memoria, la huella 
psicológica y sus efectos “postraumáticos”. 
La parte final de la exposición 
se centra en el concepto 
de Transmisión, en ese depositar 
parte de la acción en “el 
otro”, ese “otro” como agente 
activo, bien como el vehículo 
sobre el que recae directamente 
la acción, como un 
personaje más de la trama 
–entendiendo trama como acción 
performativa–, o como 
agente sin el cual dicha acción 
permanecería totalmente 
desactivada.

Cuerpo y verso

En este mismo marco se encuadra 
también el resultado de 
la acción que la artista realizó 
bajo el título homónimo Piel de 
Gallina. En esa ocasión, Regina 
José permaneció en el interior 
de un refrigerador mortuorio 
durante la inauguración de la 
exposición, mientras los espectadores 
activaban la acción 
para contemplar el proceso de 
transformación de su piel provocado 
por el frío.

A pesar de que en el trabajo 
de Regina su cuerpo se configura 
como herramienta principal, 
la exposición pretende 
mostrar cómo su obra es inseparable 
de su corpus poético. 
Ésa es la razón por la que hemos 
decidido publicar una selección 
de sus poemas en la 
muestra, así como el motivo 
de que algunos de estos poemas 
cubran las paredes de las 
salas, en sustitución de 
los vinilos explicativos al uso. 
La idea de la exposición es, 
pues, coser la poesía a la prosa, 
entender el poema como 
evento y el cuerpo como constructo 
sociopolítico para hablarnos 
del trauma histórico, 
de lo local como metáfora de 
una injusticia global.